Старая Национальная галерея Берлин - М. Силина

Данная большая работа отличается сложностью строя пространства и движений персонажей. Менцель изобразил сцену в здании цеха, где люди заняты работой. Все внимание мастера направлено на то, чтобы продемонстрировать мощь современной индустрии. Цех становится местом действия новой драмы, схватки человека с машиной. Помещение наполнено туманом, вспыхивающими то тут, то там огнями и причудливыми тенями. Композиционно картина выстроена очень гармонично. Низ полотна занимает динамичная сцена упорной работы, а верх — только пустые, наполненные сизыми испарениями металлические своды помещения. Очевидно, что в этой работе Менцеля интересовали не только технологические особенности труда, но и чисто творческая возможность попробовать создать световые и пространственные эффекты в совершенно новых для художественной практики условиях.

После 1860-х Менцель стал частым гостем светских вечеров в берлинском городском замке. Сохранилось множество этюдов и зарисовок этих балов. Представленное полотно — одно из самых сложных по количеству персонажей и композиции. Общество показано в перерыве между танцами. Интерьер дворца буквально утопает в пламени свечей и золоте дорогой мебели. Художник виртуозно изобразил большое количество сценок, это одновременно и толпа людей, и отдельные группы, члены которых тщательно запечатлены в разнообразных позах. Полотно можно очень долго рассматривать, хотя оно совсем небольшого размера. В нем нет строгой точки перспективы, взгляд зрителя скользит по лицам, охватывая всю картину в целом. Живописец бегло наметил детали, главное в произведении — это настроение вечера, атмосфера типичного светского приема того времени. Спецификой Менцеля-рассказчика является то, что ему удается одновременно четко зафиксировать место действия и группы людей, создается впечатление, что все детали и черты лиц выписаны очень подробно, однако при попытке сфокусироваться на какой-либо из сцен взгляд зрителя вынужденно скользит то по одной, то по другой детали. Художник остается беспристрастным наблюдателем, он не уточняет собственного отношения к происходящему. Интересно, что пространство в работе композиционно усложнено обилием зеркал, которые увеличивают зал, множат отражения, рождают интересные световые и пространственные эффекты. Ясная композиция картины, четкие соотношения и пропорции ее разных элементов ярко свидетельствуют о высочайшем мастерстве немецкого живописца.

Изобразительное искусство второй половины XIX века

Камиль Коро — один из главных представителей французской барбизонской школы, художественного течения середины XIX века. Оно отличалось ярко выраженным стремлением к реализму в рамках романического направления. Школа названа так по местечку Барбизон, в котором работали мастера. Они опирались на традиции голландской живописи и отечественную французскую школу прошлого, к которой принадлежали Никола Пуссен и Клод Лоррен. Виртуозную технику, разнообразную и сложную, мастера-барбизонцы соединяли с лиричным настроением, повышенным вниманием к передаче атмосферы. Авторскую манеру Коро характеризуют мягкие тона и сглаженные формы, свободная работа кистью. Он известен, прежде всего, своими пейзажами. Поражают нежные, тонкие мазки жемчужных, перламутровых оттенков. Мастер использует в полотне классическое для собственного творчества сочетание зеленых, черных, белых и красных цветов. По сравнению с реалистической трактовкой света в первый период своей деятельности после 1850-х Коро предпочитает почти сказочный свет вечерних сумерек. Воздух и вода отражают его, нежный переход в гамме от серо-серебряного до зеленого. Художник изобразил место Шату недалеко от собственного дома в Виль д'Авре. Как говорил сам мастер, главное для него была не точность передачи деталей, а точность, на которую бы отозвалось его сердце. Авторский стиль Коро многосоставен. Он создает пасторальный сюжет — крестьянки занимаются повседневным трудом в живописных декорациях. Художник использует палитру неоклассицизма и реализма, а манера накладывать краски уже прямо отсылает зрителя к предимпрессионизму.

Французский художник Шарль-Франсуа Добиньи является ярким представителем барбизонской школы живописи. Исследователи видят в нем одного из важных предшественников классического импрессионизма. Непосредственное влияние на его манеру оказало искусство великого Густава Курбе, с которым он познакомился в 1852. Сам Добиньи повлиял на творческие установки Клода Моне, с ним он встретился в 1866. Как представитель барбизонской школы, Добиньи стремился объединить сложную технику живописи, внимательное отношение к проблемам натурного освещения и созданию сюжетов, в которых герои погружены в природу в лучших традициях романтизма.

Представленная картина прекрасно отражает это направление в творчестве мастера. Добиньи, как и знаменитый Моне несколькими годами позже, работал в небольшой лодке-мастерской, в которой плавал по рекам Оаз и Сене в поисках подходящих мотивов. Его целью было уйти от субъективности взгляда художника и рисовать природу так, как она есть. Добиньи использует ограниченную гамму цветов. Картина фактически состоит из двух равных по площади горизонтальных слоев — оттенков зеленого и серого-синего. Главную прелесть создает сочетание тщательной отделки холста, ее геометрической симметрии и стремления передать восприятие наблюдателя с помощью легких предимпрессионистических мазков. В изображении героев явственно ощущаются романтические нотки — молодая пара удаляется от зрителя вглубь сцены. Художнику удалось добиться двойственного ощущения особой интимности и нейтральной будничности запечатленного пейзажа.

Немецкий художник Ансельм Фейербах написал эту картину во время своего путешествия в Рим. Он создал идиллический и аллегорический сюжет, запечатлел двух детей, которые беззаботно проводят время в Тиволи, недалеко от итальянской столицы. Эти места особенно вдохновляли художников-неоклассицистов всей Европы, потому что именно Рим и Италия считались великими центрами творчества прошедших времен. Творцы стремились образом жизни и манерой живописи подражать таким итальянским мастерам, как Рафаэль, Караваджо и Аннибале Карраччи. Дети олицетворяют муз пения и музыки. Водопад на заднем плане написан достоверно, он почти не изменился вплоть до нашего времени. Художник работал над данным полотном почти год, в наследии мастера осталось большое количество тщательных зарисовок этого места.

Французский живописец Клод Моне — один из самых знаменитых художников в мировой истории искусства. Он признан основателем импрессионизма. До того как стать классиком этого направления, Моне учился не только в парижской Академии, но и у старых мастеров, штудируя их работы в богатейшей коллекции Лувра. Во время Франко-прусской войны живописец переехал в Англию, где его наставником был Джон Констебль. Перед возвращением на родину Моне несколько месяцев провел в Нидерландах, там ближе познакомился с поэтикой живописи старых мастеров. С этого времени он создавал в основном этюды, зарисовки из повседневной жизни.

В 1865 молодой Моне впервые выставил свои работы в парижском Салоне — официальной выставке искусств. Но уже в 1867 его жюри отказало художнику в участии. С тех пор Моне и его друзья отошли от официального искусства и непосредственно занялись выработкой новых методов в искусстве, что вылилось в стиль импрессионизм. Основным принципом стало видение окружающей среды «так как есть». Отсюда повышенное внимание к световым эффектам, выбору случайных фрагментов, интерес не столько к сюжету, сколько к особенностям восприятия того или иного предмета.

В апреле 1867 Моне и Ренуар попросили у руководства Лувра разрешить им поставить свои мольберты в здании музея, чтобы иметь возможность зарисовывать городские виды, которые полюбились живописцам во время самостоятельных учебных занятий. Моне создал три городских пейзажа из стен Лувра. Данная картина представляет вид на соседнюю церковь Сен-Жермен, построенную в готическом стиле. Архитектурный объект очень велик, но он не давит, художник мастерски строит городское пространство. В этом раннем полотне Моне прекрасно видно влияние и школы Добиньи, и всей барбизонской школы пейзажной живописи, которая сформировалась на идеях работы на пленэре. Художник изображает яркий солнечный полдень. Все цвета выбелены под открытым солнцем. Мастер вводит множество синих пятен, чтобы усилить ощущение палящего зноя. Моне создает глубокие, почти черные тени. Цветущие каштаны, манера их написания, а также фактурность всего холста свидетельствуют о готовности живописца сформулировать принципы импрессионизма.