Актерское мастерство. Американская школа - Артур Бартоу

Принципы теории точек зрения она изложила впервые в 1976 г. Затем, в 1978 г., Оверли первой из преподавателей получила приглашение от Рона Арджеландера с драматического факультета Школы искусств Тиша Нью-Йоркского университета открыть Экспериментальное театральное отделение (ЭТО). «Шесть точек зрения» легли в основу его учебной программы. С 1985 по 1987 г. Оверли состояла художественным руководителем парижского филиала ЭТО, а с 1989 по 1991 г. – нью-йоркского. В январе 1998 г. теория точек зрения стала основной темой национальной конференции в Нью-Йоркском университете. Сегодня Мэри Оверли продолжает работать над своей теорией в качестве педагога Школы искусств Тиша.

Оверли написала и поставила пьесы «Небо над Америкой» (Skies over America) на музыку Орнетт Коулман и «Что случилось с будущим» (What Happened to the Future).

Не ограничиваясь ипостасями исполнителя, преподавателя и хореографа, Оверли разрабатывала учебные программы для художественных институтов по всему миру. Она является соучредителем Danspace при церкви Св. Марка и Movement Research – двух существующих и поныне организаций, которые были созданы в конце 1970-х в Нью-Йорке с целью исследования новых танцевальных форм. Кроме того, она организовывала профессиональные мастер-классы на Международной неделе танца в Вене, где с 1991 по 1997 г. работала художественным координатором. Она числится внештатным преподавателем в Центре развития европейского танца и Академии классического танца при Высшей школе искусств в голландском Арнеме.

В числе наград, полученных Оверли, – грант Национальной ассоциации образования. Оверли считает, что успех в начинаниях ей приносит верность духу свободы. Она занималась также ловлей лосося в заливе Пьюджет-Саунд, владела собственной пекарней в Сан-Франциско, создала компанию по отделке лофтов в Нью-Йорке, управляла рестораном Food Restaurant в Сохо, подумывала о том, чтобы вместо танцев заняться горными лыжами. Все эти занятия Мэри Оверли рекомендует в качестве упражнений теории «Шести точек зрения». В апреле 2002 г., через 27 лет студийных исследований, Оверли завершила работу над теорией. В данный момент она занята нелегким трудом по написанию книги о своем богатом опыте.

Практическая эстетика. Обзор

Роберт Белла

История практической эстетики

Актеру требуется лишь воля, мужество и здравый смысл.

«На исходе прошлого тысячелетия спустился Мо… Мамет с горы и принес с собой три заповеди…» Примерно так.

На самом деле рождение практической эстетики происходило куда прозаичнее. В молодости Дэвид Мамет изучал актерское мастерство у Сэнфорда Мейснера в Neighborhood Playhouse в Нью-Йорке. На второй курс его уже не пригласили.

В результате Мамету пришлось самому осваивать все то, что не удалось получить в учебном заведении. В итоге он стал преподавателем Колледжа Годдарда в Вермонте, где начал включать собственные теории в учебную программу. Там он познакомился с Зелеными горами, нонконформистской культурой конца 1960-х и Уильямом Мейси[5]. Перебравшись в Чикаго, двое друзей основали Театр святого Николая, где принялись отшлифовывать методику, с которой экспериментировали в Вермонте.

В 1983 г. Мамет и Мейси создали учебный театр Atlantic и стали вести занятия на драматическом факультете Нью-Йоркского университета. Свою новую школу они назвали Мастерской практической эстетики.

За два года Мамет и Мейси воспитали из студентов основной костяк своей будущей труппы. Одно из учебных заданий вылилось в написание «Практического актерского пособия», которое затем вошло в обязательные списки литературы на актерских факультетах по всему миру. Взращенный Маметом и Мейси актив стал ядром труппы Atlantic, и театр, начавший ставить спектакли в 1985 г., завоевал немалую славу вне Бродвея. Сейчас будущие поколения театральных актеров постигают методику Мамета в актерской школе Atlantic.

Истоки практической эстетики

Практический: прикладной, пригодный к делу.

Эстетика: философия прекрасного.

Актерская подготовка, как правило, сопровождается чувством вины или стыда. Если вы изучали актерское мастерство, то уже сталкивались с упражнениями, в которых не понимали, что от вас требуется, и виновато выслушивали критику преподавателя. Бывало и так, что задание понятно, но кажется совершенно далеким от актерской игры, и вам приходилось, стыдясь себя, просить разъяснений.

Научиться играть (и при этом играть хорошо) может любой. Некоторым актерский талант дается от рождения, и они учатся быстрее других. Однако талант – это еще не мастерство.

У Мамета было немало претензий к преподаванию актерского мастерства в Америке, и он надеялся исправить дело с помощью своей практической эстетики. Ему казалось, что актерские занятия в большинстве своем вызывают у студента досаду и недоумение либо из-за недостатков самой методики, либо из-за поведения преподавателя.

Дэвид утверждал, что актерская игра – это мастерство, усваиваемый навык, который можно обозначить простейшими конкретными терминами, как в игре на фортепиано или строительстве дома. Как и в любой профессии, в актерском мастерстве имеются свои воспроизводимые, последовательные принципы. Если следовать этим принципам – станешь актером. Для этого не обязательно обладать талантом, не обязательно быть непохожим на других. Нужны лишь прилежание и понимание.

Кроме того, Мамет замечал у современных американских актеров склонность сознательно или бессознательно сосредоточиваться на самих себе, вместо того чтобы рассказывать сюжет пьесы. Изучив роль драматургии и театра в обществе, Мамет пришел к выводу, что актер ответственен прежде всего не перед собой, а перед зрителем.

Мамет предположил, что при изучении актерского мастерства нельзя обойти вниманием определенные фундаментальные человеческие истины и что изучение человеческой натуры необходимо актеру в той же степени, что и остальные дисциплины. Он считал, что книги по психологии, философии и драматургии не менее важны для артиста, чем труды Станиславского. Станиславский пытался разрешить те же самые, возникающие перед любым актером, проблемы: как сделать актерскую игру достоверной, реалистичной, живой.

Ответов может быть миллион, а вопрос всегда один: как сделать так, чтобы зритель поверил в происходящее на сцене? В поиске ответа помните главное: одного-единственного способа не существует. Точнее, есть только один-единственный способ – ваш.

Принципы практической эстетики

Пусть принципов, которыми вы руководствуетесь в жизни, будет немного, и пусть они будут простыми, тогда вы сможете обратиться к ним в любой момент.

Практическую эстетику можно разбить на три основные категории:

1. Философия: лежащие в основе руководящие принципы.

2. Анализ текста: разбор сценария и пересказ его пригодным для игры языком.

3. Техника исполнения: способы применения принципов практической эстетики на сцене.

Изложить методику в формате одной главы невозможно, поэтому обрисую ее вкратце, чтобы пролить немного света на ее основы и особенности.

1. Философия

Руководящие принципы практической эстетики базируются на множестве литературных источников, лишь немногие из которых посвящены собственно актерскому мастерству. Чтобы в полной мере оценить содержащиеся в них знания, лучше всего прочесть их самому (см. список рекомендуемой литературы в конце главы). Некоторые из этих трудов достаточно архаичны по стилю и содержанию, однако это не мешает изложенным в них истинам сохранять актуальность и по сей день.

«Поэтика» Аристотеля

Одна из целей методики – переключить внимание актера на происходящее на сцене, поэтому самое логичное в данном случае – начать с азов. Мамет полагал, что, поняв принципы драматургии, актер уже без особого труда сможет правильно интерпретировать драматическое произведение.

В «Поэтике» Аристотель перечислил и систематизировал многие из основополагающих традиций западной драмы. Сделал он это так искусно, что даже сегодня, по прошествии более двух тысячелетий, «Поэтика» по-прежнему входит в списки обязательной литературы на большинстве драматургических курсов. Актерским школам она тоже необходима. В «Поэтике» содержатся важнейшие для любого актера истины. И пусть некоторые из аристотелевских постулатов уже неприменимы, суть их настолько глубока, что «Поэтика» остается незаменимым пособием для всех театральных артистов.

Наблюдая за современными ему театральными постановками, Аристотель установил ряд основополагающих истин. Он уловил в драме определенный рисунок, повторяющий действительность. Затем он развил свои наблюдения, а остальное, как говорится, уже история.