История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения - Алина Сергеевна Аксёнова

Вместо этого он сочетает формы и цвета, подбирая для них нужную направленность мазка. Художник не прописывает детально лицо, внешность. У Сезанна портрет – это маска, где схвачено лишь несколько характерных черт изображаемого. Так получается образ человека, хотя по отдельности цветовые пятна все равно напоминают геометрические фигуры.

Задача правильно увидеть, осмыслить и скомпоновать элементы на холсте была важнейшей для Сезанна. Мир – это фигуры и пятна, которые видит человек, потому их же пытается правильно увидеть и запечатлеть на холсте художник. Его работа больше похожа не на создание произведения искусства, а на познание законов мироздания при помощи живописи.

Сезанн выбрал для себя несколько главных, любимых объектов, и, изображая только их снова и снова, искал лучший вариант для компоновки. Главным из таких объектов стала гора святой Виктории, которую он написал около сотни раз. Последние пейзажи с этим видом напоминают абстрактную живопись – Сезанна принято считать художником, стоявшим у её истоков. Подобная трансформация живописной манеры была связана также с его стремлением максимально упрощать форму – поэтому в итоге мир в его картинах действительно стал почти абстрактным.

Постимпрессионизм, будучи явлением конца XIX века, развивался на фоне быстрого научно-технического прогресса. Однако это внушало восторг далеко не всем – наоборот, многие испытывали страх перед надвигающейся цивилизацией. Это почувствовали ещё барбизонцы. К концу XIX века страх усилился, заставив художников увидеть спасение и вдохновение в природе, уйти в неё, что повлекло за собой особую популярность пейзажа.

Живописцы того времени были настоящими беглецами от цивилизации. Но, кроме желания уехать дальше от шумного города, ими двигала надежда, что новые места вдохновят их и помогут обновить искусство. Именно тогда обострился интерес к экзотическим странам и далёким культурам.

Винсент Ван Гог и цвет как способ выражения чувств художника

Особенно пристальным был интерес к Японии, границы которой открылись для европейцев в 1854 году. Магазины наводнили японские товары, что способствовало изучению культуры Дальнего Востока. Одним из почитателей искусства Японии был Винсент Ван Гог, голландский художник, написавший свои главные картины во Франции.

Один из созданных им портретов – «Портрет папаши Танги» – представляет нам парижского торговца красками, похожего на японского крестьянина, а также обнаруживает увлечение Ван Гога гравюрами Утагавы Хиросигэ и Кацусики Хокусая[4]. За спиной героя висят многочисленные копии работ этих мастеров в исполнении Ван Гога. Японское искусство привлекало художника тонкими и чёткими линиями, чистым ярким цветом, умением изящно и легко показывать самые обычные явления жизни, выбирая для этого нестандартную с точки зрения европейца композицию и ракурсы. Не имея возможности поехать в Японию, Ван Гог отправился на юг Франции, надеясь увидеть под южным солнцем чёткие линии и самые яркие краски природы.

Цвет был невероятно важен для Ван Гога. Он пользовался им «произвольно, чтобы наиболее полно выразить себя», – так художник сам говорил о своём методе. Если всмотреться в его пейзажи, становится понятно, что цветом Ван Гог выражает свои чувства, не изображаемую натуру, а собственное ощущение от неё и состояние души. Самым счастливым и радостным для Ван Гога был жёлтый цвет. Его знаменитые «Подсолнухи» – это множество оттенков жёлтого, выбранные для цветов, которые сами служат символом солнца.

Красный, наоборот, – часто цвет тревоги. Он необычайно экспрессивен и многогранен. В картине «Ночное кафе» изображена залитая светом комната с красными стенами. Ночная жизнь этого заведения пугала художника, он называл его местом, где можно «пропасть или сойти с ума». Для выражения чувства тревоги он использовал несколько оттенков красного и зелёный – цвет стен и бильярдного стола. Соединяясь в одной картине, эти контрастные цвета подчёркивают неуютную и тягостную атмосферу ночного заведения.

Красный в «Автопортрете с отрезанным ухом» заполняет практически всё пространство холста, бросая отсветы на лицо художника, его куртку и трубку. Всё в этом портрете неспокойно, экспрессивно.

В эпоху Средневековья цвет обладал символическим смыслом, но к концу XIX века искусство пришло к осознанию цвета как способа говорить о внутреннем состоянии человека, действовать на зрителя интуитивно, при помощи ассоциаций.

Поль Гоген и поиски нового цвета

Понимание новой роли цвета одновременно пришло ко многим художникам, стремившимся отказаться от сдержанности академического искусства. Желая найти новый яркий цвет, Поль Гоген бежал от цивилизации гораздо дальше, чем Ван Гог или Сезанн. Югу Франции он предпочёл французские колонии на острове Таити. Именно в этих краях он надеялся застать другой, не затронутый цивилизацией дикий мир с его свежими красками.

Гоген был убеждён, что дикие народы, недалеко ушедшие от язычества, гораздо тоньше чувствуют природу, а искусство их искреннее и непосредственное, не затёртое академическими условностями. Яркая палитра картин Гогена, написанных на Таити, обнаруживает эту свежесть природы, цвета и созданного художником мира.

«Женщина, держащая плод» – символическая вещь. Полуобнажённая женщина с плодом в руках в окружении деревьев должна ассоциироваться с Евой в райском саду.

Здесь звучит одна из главных мыслей, проходящих через всю живопись Гогена: возвращение к дикому, первозданному в искусстве как возвращение к потерянному раю. Художник призывает забыть об академических нормах, возвышенных сюжетах, античных идеалах – это, по его мысли, возродит европейское искусство.

На рубеже ХХ века эти идеи были очень распространены, мир ждал перемен. Краски в картине не имеют ничего общего с тем, к чему привыкла европейская живопись за 4 века, начиная с Рафаэля. Гоген полностью уходит от приглушённых, сдержанных тонов классических картин.

• В отличие от Ван Гога Гоген произвольно использует цвет, но не столько для выражения собственных эмоций, сколько для создания гармоничной и эффектной живописи.

«У моря» – жанровая сценка, где изображены купающиеся девушки. Остальные детали, кроме фигур, плохо различимы. Чёткие контуры и яркие цвета – бледно-лиловый внизу картины, плавно перетекающий в сиреневый, вдруг становится почти чёрным и превращается в бирюзовое море. Картина кажется декоративной, и краски здесь сочетаются друг с другом не ради передачи смысла, но для красоты.

Гоген воспринимал картину как эстетический объект, она стала у него сочетанием красивых оттенков цвета и плавных линий. Важно, что художник нарушил привычное соответствие между предметами и цветом – небу не обязательно быть синим, а траве – зелёной. Жёлтый, розовый, фиолетовый – вот какие цвета Гоген смело будет выбирать для этого. Подобное отношение к цвету в ХХ веке подхватили многие художники.

Тулуз-Лотрек и современность

Анри де Тулуз-Лотрек – художник, открывший зрителю мир французских кабаре. Его искусство – лёгкое и слегка карикатурное, оно без стыда высвечивает и привлекательное, и отталкивающее. Лотрек не стал убегать от городской цивилизации, но нашёл в ней то, что прежде было только предметом порицания и осуждения. Он, красиво и иронично изображая современность, ставит своей целью не осудить, а зафиксировать живое, типичное.

Он был графиком, и именно линия стала главным изобразительным инструментом и героем его работ. Его афиши наглядно