Мастера иконописи и фрески - Кристина Ляхова

Лучшей работой этого периода считается «Рождество». Художнику еще несколько не хватало опыта, в частности, он был не слишком силен в знании законов перспективы, но он проявил себя как талантливый колорист и знаток натуры. Фигуры Марии и Иосифа изображены верно, их образы исполнены благородства.

Около 1504 года мастер создал еще одну алтарную композицию, по сюжету связанную с предыдущей, — «Поклонение волхвов» (Уффици, Флоренция). На этот раз художник более внимательно продумал композицию и объединил Мадонну и трех волхвов в одну группу, подчиненную спокойному круговому ритму. Передний план с изображенными на нем фигурами и перспектива гармонично сочетаются.

Во время работы над «Поклонением волхвов» художник использовал тонкую кисть. Накладывая легкие, небольшие по размеру мазки, он таким образом подробно выписывал самые мелкие детали.

В конце 1490-х годов Дюрер неоднократно обращался к жанру портрета. Он изображал свою жену, родственников, друзей. Многие богатые нюрнбергцы заказывали Дюреру портреты. Среди многочисленных работ этого плана наиболее известны: «Портрет женщины» (1496), «Портрет О. Креля» (1499, Старая пинакотека, Мюнхен), «Элсбет Тухер» (1499, Государственная картинная галерея, Кассель), «Портрет матери» (1514, рисунок углем, Государственные музеи, Берлин). В 1498 году он исполнил «Автопортрет с пейзажем» (Прадо, Мадрид).

Картины, рисунки и гравюры Дюрера свидетельствуют о его прекрасном знании натуры. Изучать натуру он не прекращал на протяжении всей жизни. Он постоянно набрасывал на бумаге углем, или серебряным карандашом, или акварелью изображения фигур и голов своих знакомых, рисовал животных, растения (деревья, цветы в вазе, луг, опушку леса), камни и т. д. Многие из его рисунков подобного плана сохранились до наших дней и выставлены во многих музеях Европы. Таковы работы «Аист» (1500, музей, Икселлес под Брюсселем), «Заяц» (1502, Графическое собрание Альбертина, Вена) и др.

А. Дюрер. «Четыре апостола», 1526 год, Старая пинакотека, Мюнхен

В начале XVI века Дюрер продолжал печатать гравюры. Среди них можно вспомнить наиболее известные, по которым его сегодня знают многие люди, интересующиеся искусством. Это «Адам и Ева» (1504), «Рыцарь, смерть и дьявол» (1513), «Святой Иероним в келье», «Меланхолия». Кроме того, Дюрер выпустил четыре серии гравюр: «Большие страсти» (окончена в 1497), «Малые страсти» (1511), «Зеленые страсти» (названные так из-за цвета бумаги, на которой они были исполнены) и «Жизнь Марии» (1511).

В первом десятилетии XVI века Дюрер достиг популярности не только в родном Нюрнберге, но и в других городах страны. Знали о нем и в соседних европейских странах. К тому времени он уже исполнил многие из своих выдающихся произведений. Именно в этот период Дюрер решил снова отправиться в Италию.

На этот раз художник прожил в Италии два года — с 1505 по 1507. Их он провел в Венеции. Во время этой поездки он смог осознать свое творчество, взглянуть на него по-новому. Здесь же он получил заказ на создание двух больших алтарных композиций, предназначенных для украшения Венецианской церкви. Первую, «Праздник четок», он исполнил в Италии в 1506 году (в настоящее время она находится в пражской Национальной галерее), работу над второй композицией под названием «Поклонение Святой Троице» завершил только после возвращения в Германию, в 1511 году. Она выставлена в Художественно-историческом музее Вены.

Вернувшись в Нюрнберг, Дюрер начал трудиться над трактатом, в котором постарался изложить теоретические размышления об искусстве. Первоначально он планировал написать три части, но затем ограничился одной — «Руководством к измерению циркулем и линейкой», изданным в 1525 году. Согласно его замыслу, это сочинение должно было являться одной из частей «Трактата о пропорциях». Стремясь найти идеальные пропорции человеческого тела, художник много рисовал, делал гравюры. Самым впечатляющим произведением этого периода является диптих «Адам и Ева» (около 1507, Прадо, Мадрид).

В середине 1510-х годов Дюрер исполнял крупные заказы императора Максимилиана I. Объем работ был так велик, что ему приходилось трудиться вместе с помощниками и учениками (литография «Арка Максимилиана I» и др.).

В 1520 году Дюрер снова отправился в путешествие, на этот раз — по Нидерландам. Он посетил Антверпен, Брюссель, Брюгге, Гент, Малин и другие города, познакомился с работами художников, сделал много набросков, написал несколько портретов («Эразм Роттердамский», 1520, Лувр, Париж; «Лука Лейденский», музей, Лилль и т. д.). Работы в жанре портрета принесли ему новые заказы, поэтому, вернувшись в Нюрнберг, мастер продолжил писать портреты, которые пробовал исполнять в самых разных техниках. Он создал свою галерею портретов современников: Виллибальда Пиркхеймера (гравюра на меди, 1524), Филиппа Мелантоха (гравюра на меди, 1526), Эразма Роттердамского (гравюра на меди, 1526).

В 1526 году Дюрер исполнил диптих «Четыре апостола» (Старая пинакотека, Мюнхен), который стал его последней живописной работой. По стилю он напоминает алтарную композицию, но в действительности не является ею: мастер исполнил диптих для украшения городской ратуши. Он изобразил фигуры Петра, Павла, Иоанна и Марка в полный рост. Этих апостолов художник выбрал по той причине, что именно они, по мнению многих его современников, олицетворяли четыре типа темперамента.

До конца жизни Дюрер не оставлял работы над теоретическим трактатом, но так и не успел завершить его. В 1528 году, незадолго до смерти мастера, было издано последнее сочинение «Четыре книги о пропорциях человека».

За свою жизнь Дюрер исполнил огромное количество живописных произведений, гравюр, акварелей и т. д. Одних только рисунков насчитывают более 900 листов, примерно столько же, сколько оставил после себя другой мастер эпохи Возрождения, Леонардо да Винчи.

Матис Грюневальд

(около 1475–1528)

Подлинное имя художника — Матис Нитхарт-Готхарт — в XVII столетии было заменено прозвищем Грюневальд. Лишь в начале XX века мир узнал о том, как на самом деле звали замечательного немецкого живописца. Но знаменитым Грюневальд стал еще при жизни, хотя его произведения нередко приписывались другому известному мастеру Германии эпохи Возрождения — Альбрехту Дюреру.

Немецкий живописец, архитектор, инженер Матис Грюневальд (Матис Нитхарт) родился в Вюрцбурге. Исследователи предполагают, что его учителем был Г. Гольбейн Старший. Есть сведения, что в 1501 году Грюневальд посетил Нидерланды. Работал художник в Ашаффенбурге, Франкфурте-на-Майне, Изенгейме, Майнце, Галле. Грюневальд был придворным живописцем, художественным консультантом, гидротехником и архитектором курфюрстов и архиепископов в Майнце. Проникнутое острым драматизмом искусство Грюневальда, подвергавшегося преследованиям за свое сочувственное отношение к народу во время Крестьянской войны, отразило его личные переживания. Книги, которые находились в домашней библиотеке Грюневальда, говорят о его интересе к идеологии Реформации, а также к наиболее радикальному религиозному течению в Германии — анабаптизму, представители которого, также принимавшие участие в Крестьянской войне, осуждали богатство и призывали к разделу имущества между всеми жителями страны.

В числе ранних работ Грюневальда, написанных в начале XVI века, — два очень похожих «Распятия» (около 1502, Художественный музей, Базель; около 1505, Национальная галерея, Вашингтон) и картина «Поругание Христа» (около 1505, Старая пинакотека, Мюнхен). Уже в этих работах заметно трагическое мироощущение, пронизывающее все творчество мастера. Оно выражено в острой экспрессии, некоторой гротескности образов, безжалостном натурализме в показе страданий Христа и его близких.

Самая известная работа Грюневальда — многостворчатый алтарь церкви Святого Антония в городе Изенгейме. По сложности и глубине замысла это произведение не имеет равных в немецкой живописи. Алтарь состоит из трех циклов, появляющихся перед зрителем друг за другом в зависимости от положения створок его центральной части. Если створки закрыты, зритель видит перед собой сцену «Распятия», по бокам которой представлены фигуры святых Себастьяна и Антония. Жуткое впечатление производит образ мертвого Христа, его израненное худое тело, искаженное мукой лицо, застывшая кровь на кистях рук и ступнях ног. Художник как будто стремится напомнить людям о той безмерной цене, которая была заплачена за грехи человечества. Возможно, Грюневальд вложил в произведение и более глубокий смысл, пытаясь таким образом выразить свой протест по отношению к кровавым событиям эпохи, к злу и несправедливости, царящим в мире. Страдания отдельного человека у Грюневальда достигают вселенских масштабов, превращаясь в символ общенародной скорби.