Мастера натюрморта - Галина Дятлева

Натюрморты, исполненные художником в 1920–1930-х годах, свидетельствуют об интересе мастера к передаче светотеневой среды. Бутылки, графины и кувшины, окутанные сумрачной дымкой, напоминают мраморные изваяния («Натюрморт», 1930, частное собрание, Рим; «Большой натюрморт», 1935, собрание Маттиоли).

Чтобы придать изображению обыкновенных вещей монументальность и торжественность, Моранди чередует разные по высоте предметы, использует вертикальные блики и светотеневые контрасты («Натюрморт», 1938, частное собрание, Милан; «Натюрморт», 1949, частное собрание, Турин; «Композиция из бутылей», 1949, частное собрание, Милан).

Натюрморты 1950–1960-х годов, показывающие тесно сгруппированные вещи, восхищают гармонией цветовых градаций. Тончайшими оттенками переливаются хрупкие стеклянные сосуды, окрашенные в холодные тона кувшины, кружки; коробки на нейтральном фоне кажутся отчужденными и замкнутыми («Натюрморт», 1946, галерея Тейт, Лондон; «Натюрморт с чашками», 1953, частное собрание; «Натюрморт», 1957, частное собрание, Париж; «Натюрморт», 1960, частное собрание). От погруженных в тишину и спокойствие обыденных предметов на картинах Моранди веет какой-то тайной. Проникнутые созерцательностью, непритязательные и простые композиции показывают стремление мастера выразить чистую, поэтическую красоту мира вещей.

Дж. Моранди. «Натюрморт», частное собрание

Настроение спокойного размышления, наполняющее натюрморты Моранди, сближает его творчество с искусством таких художников, как Ж. Б. Шарден и П. Сезанн. Обладавший замкнутым характером, Моранди не принимал участия в бурной жизни интеллектуальных кругов. На короткое время обратившийся к метафизической живописи, он никогда больше не интересовался экспериментальными начинаниями художников своей эпохи.

Большую известность Моранди принесли и его офорты. В 1930–1956 годах художник руководил кафедрой гравюры в Академии художеств в Болонье. В 1948 году он стал членом римской Национальной академии Св. Луки.

Амеде Озанфан

(1886–1966)

Делом своей жизни Амеде Озанфан считал воспитание молодых художников. Живя в Лондоне в 1935–1938 годах, он создал собственную школу. В 1938 году, переехав в США, мастер основал Школу изящных искусств Озанфана, где изложил весьма оригинальную теорию преформизма, заключающуюся в том, что образы великого искусства заложены в подсознании человечества.

Французский живописец, график и теоретик искусства Амеде Озанфан родился в Сен-Кантене. Образование он получил в сенкантенской художественной школе, а затем в Париже, в академии живописи Ла Палет, куда поступил в 1906 году. Здесь Озанфан изучал не только живопись, но и архитектуру.

В 1910–1912 годах молодой художник побывал в Италии, Голландии, Бельгии и России. В течение двух лет (с 1915 по 1917) занимался изданием журнала «Элан» («Порыв»). Озанфан стал теоретиком нового направления в искусстве — пуризма, основанного на убеждении, согласно которому формы в живописи должны быть ясными и четкими, похожими на очертания различных устройств современной техники. Идеи пуризма Озанфан изложил в сочинении «После кубизма», написанном в соавторстве с Ле Корбюзье (Ш. Э. Жаннере). Произведениям Озанфана свойственны простота живописных средств, графичность, стремление к монохромности, художественный схематизм. Таковы его предметные композиции «Натюрморт. Посуда» (1920, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Графин, гитара, стакан и бутылки на сером столе» (1920, Художественный музей, Базель, «Перламутр № 1» (1922, Национальный музей современного искусства, Париж), «Графика на черном фоне» (1922, ГМИИ, Москва), «Фуга» (Художественный институт, Чикаго)).

А. Озанфан. «Натюрморт. Посуда», 1920, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Пытаясь объединить в одном произведении разнообразные виды искусств, Озанфан создал несколько своеобразных настенных композиций, наиболее интересными из которых являются «Четыре расы» (1928) и «Жизнь» (1933–1938), исполненные для Национального музея современного искусства в Париже.

Произведения, созданные мастером в 1950-х годах, свидетельствуют о том, что Озанфан отошел от прежних строгих принципов пуризма. Его живопись этого периода отличается воздушностью, богатством цветовой гаммы, тонкостью передачи композиционных элементов.

Пабло Руис Пикассо

(1881–1973)

Первоначально обращение Пикассо к жанру натюрморта было связано с угнетенностью его психического состояния, когда возникало желание найти в этом мире нечто прочное и опереться на что-то реальное и незыблемое, а позже таким образом возник новый способ образного мышления, получивший название кубизма. Надо сказать, что именно поэтому натюрморт стал излюбленным жанром кубистской живописи.

Французский художник испанского происхождения Пабло Руис Пикассо родился в Малаге в семье учителя рисования. Первые уроки живописи он получил у своего отца. В 1895 году Пикассо поступил в Академию художеств «Ла Лонха» в Барселоне. Экзамен высшей ступени обучения Пабло выдержал блестяще. Ему было всего 16 лет, но уже в этом возрасте юный художник демонстрировал поистине совершенное владение приемами академической живописи, о чем ярко свидетельствовали полотна «Первое причастие» (1895–1896, музей Пикассо, Барселона), «Знание и милосердие» (1897, музей Пикассо, Барселона). В 1897 году Пабло успешно выдержал экзамен на старший курс Мадридской Королевской академии Сан-Фернандо. Однако в Мадриде художник оставался недолго и предпочел вернуться в Барселону, где мог общаться в богемных обществах художников и литераторов.

П. Р. Пикассо. «Арлекин и его подружка», 1901, ГМИИ, Москва

В 1900 году Пикассо в первый раз попал в Париж. До 1904 года он жил то в Париже, то в Барселоне, пока наконец окончательно не выбрал Париж. В ранний, парижский, или «голубой», (1901–1904) период творчества он исполнял работы под несомненным влиянием импрессионистов — А. Тулуз-Лотрека, П. Сезанна, П. Боннара, Э. Дега. В это время мастер создал такие выдающиеся полотна, как «Арлекин и его подружка» (1901, ГМИИ, Москва) и «Пьяница (Любительница абсента)» (1901, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В подобные «витражные» произведения, названные так из-за сильного и гибкого темного контура, делящего пространство картины на крупные планы, мастер включает элементы натюрморта, создающие и концентрирующие настроение полотен. Натюрморты воссоздают конкретную и реалистичную вещественность той эпохи. Так, на столе перед артистичным и нервным Арлекином стоит большая, наполовину недопитая рюмка абсента — горького ликера с привкусом полыни и такого же, полынного, ярко-зеленого цвета. Это не просто изображение предмета, а аллегория горечи обманутых надежд и неудавшейся жизни. Напиток символизирует непонятость, отверженность Арлекина как художника-творца.

П. Р. Пикассо. «Пьяница (Любительница абсента)», 1901, Эрмитаж, Санкт-Петербург

П. Р. Пикассо. «Натюрморт с порроном», 1906, Санкт-Петербург, Эрмитаж

Как в «Пьянице», так и в «Арлекине» Пикассо понял смысл спиртного, во-первых, как способ сублимации и замены отвратительной реальности призрачной внутренней духовностью, во-вторых, как идентичность алкоголя и «проклятых» артистов (например, Аполлинер, близкий Пикассо по духу, назвал один из сборников своих стихов «Алкоголи»), в-третьих, напитка прозрения и глубочайшей меланхолии. Что же касается «Пьяницы», то здесь сюжет приобретает особенно универсальный, поистине обобщающий и символический аспект, который концентрирует в себе зеленый абсент в рюмке, — зеленая горечь и скорбь. Женщина, изображенная на картине, кажется погруженной в беспамятство, галлюцинации и депрессию, о чем красноречиво свидетельствует ее поза, словно завязанная узлом. Перед ней возвышается как воплощение мирового зла или некий алхимический атрибут ядовито-зеленый, горький напиток, зловеще мерцающий на дне рюмки.

Следующий период творчества художника (1904–1906) называется «розовым». В это время мастер преимущественно изображает странствующих акробатов и комедиантов. Его колорит становится теплым, почти солнечным. Золотистые тона удачно сочетаются с бледными голубыми и пепельными оттенками. Фигуры, написанные жидкой краской, кажутся тонкими, почти призрачными.

Силуэты артистов словно колеблются, что вызывает у зрителя ассоциации с дрожащим пламенем свечи или вьющимся побегом растения («Актер», 1904, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Девочка на шаре», 1905, ГМИИ, Москва; «Семья акробатов с обезьяной», 1905, Художественный музей, Гётеборг). Особенно выразительной представляется работа «Семья бродячих акробатов» (1905, Национальная галерея, Вашингтон), которая буквально пронизана ощущением одиночества и отрешенности несколько странных персонажей, облаченных в артистические костюмы среди безлюдных пустынных дюн.