Мастера натюрморта - Галина Дятлева

В конце 1908 года художник, получивший стипендию имени Е. Д. Поленовой, смог отправиться в путешествие за границу. Он побывал в Берлине, Мюнхене, Нюрнберге, затем отправился в Италию. Богаевский увлеченно изучал и зарисовывал памятники архитектуры Рима, Сиены, Помпеев, Кампаньи, Пестума.

В Венеции художник познакомился с творчеством В. Карпаччо и Я. Тинторетто, а во Флоренции увидел картины С. Боттичелли. Огромное впечатление на него произвели фрески Микеланджело. Все увиденное повлияло на дальнейшее творчество Богаевского, осознававшего, что нельзя останавливаться на достигнутом, нужно совершенствоваться и идти вперед.

В 1910 году на выставке Нового общества художников появились картины, отразившие заграничные впечатления мастера («Воспоминание об Италии», 1910; «Воспоминания о Мантенье», 1910).

В 1911 году Богаевский получил приглашение принять участие в выставке «Мира искусства». Художник показал две свои работы — «Гора Св. Георгия» (1911, Музей изобразительных искусств, Казань) и «Пейзаж с померанцами» (1911, местонахождение неизвестно).

В этот же период Богаевский попробовал свои силы в области монументальной живописи. Он написал три декоративных панно для особняка крупного московского промышленника М. П. Рябушинского. Заказчик остался доволен картинами, но сам автор не был удовлетворен работой, ему казалось, что он не сумел воплотить все свои замыслы.

Последующие полотна Богаевский также счел неудачными, и в 1914 году он совсем перестал писать. Вскоре разразилась Первая мировая война. Художника отправили на фронт. Он попал в рабочую роту под Севастополь.

К творчеству Богаевский вернулся уже после революции. В это время в Симферополе начал работу недавно открытый Областной комитет по делам музеев и охране памятников искусства и старины, и художник, так же как и другие известные люди, стал принимать участие в его деятельности. Помощь Богаевского потребовалась и в организации Феодосийских государственных художественных мастерских, в которых обучались молодые живописцы.

Позднее Константин Федорович начал преподавать в Художественной народной студии при Картинной галерее им. И. К. Айвазовского.

В начале 1920-х годов Крымский комитет по делам музеев и охране памятников искусства и старины поручил Богаевскому сделать зарисовки исторических памятников Феодосии, Алупки, Ялты, Судака, Бахчисарая. На эту работу ушел не один год. В результате появилось множество набросков, этюдов и рисунков, выполненных акварелью, темперой, тушью, карандашом. Рисунки легли в основу альбома литографий, изданных в 1923 году («Сугдайя», «Атлантида», «Пейзаж с озером», «Вечернее солнце» и др.).

В 1923 году Богаевский создал четыре крупноформатных панно для Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставки, проходившей в Москве. Примерно в это же время художник увлекся техникой акварели. Его акварельные работы по выразительности и мастерству исполнения не уступают произведениям, выполненным маслом. Таковы листы «Натюрморт» (1924, Картинная галерея им. И. К. Айвазовского, Феодосия), «Радуга» (1926, собрание С. В. Пазухина, Москва), «Старый Крым» (1928, Картинная галерея им. И. К. Айвазовского, Феодосия), «Порт» (1934, собрание А. А. Тица, Харьков). Эти и многие другие акварельные композиции Богаевский показал на выставках художественного объединения «Жар-цвет».

После того как в 1929 году «Жар-цвет» прекратил свое существование, Богаевский стал членом Союза советских художников. Он вновь обратился к масляной живописи. В такой технике были исполнены картины «Феодосия» (1930, Третьяковская галерея, Москва), «Старая гавань» (1931, Художественный музей, Симферополь), «Тавроскифия» (1937, Картинная галерея им. И. К. Айвазовского, Феодосия) и др.

К этому времени относится и увлечение мастера индустриальным пейзажем («Строительство Днепрогэса», 1930, Картинная галерея им. И. К. Айвазовского, Феодосия).

В 1940-е годы Богаевский создавал главным образом акварели («Вечернее солнце», «Пейзаж с водопадом», 1942).

Жизнь замечательного художника трагически оборвалась в 1943 году. 17 февраля Богаевский погиб в результате взрыва бомбы.

Ольга Владимировна Розанова

(1886–1918)

Представительница русского авангарда Ольга Владимировна Розанова была одним из наиболее активных создателей нового искусства в России первой четверти XX столетия. Автор многочисленных картин, она принимала участие в самых разнообразных выставках и диспутах. Кроме того, художница являлась известным теоретиком искусства своего времени.

Ольга Владимировна Розанова получила образование в художественной студии К. Ф. Юона и в Строгановском художественно-промышленном училище в Москве (1904–1910). Уже в первых работах Розановой заметен интерес к декоративно-плоскостной живописи («Натюрморт», 1910, Государственный художественный музей им. А. Н. Радищева, Саратов).

В 1911 году Розанова приехала в Петербург и начала посещать школу-студию Е. Н. Званцевой. Уже в это время молодая художница активно включилась в создание нового, авангардного, искусства. Его идеи она утверждала и в своем творчестве, и в теоретических работах. Так, в статье «Основы нового творчества и причины его непонимания» Розанова доказывала, что только в абстрактной живописи возможно в полной мере применить все формальные элементы искусства, например цвет, фактуру, линию, объем.

В 1913–1914 годах Розанова обратилась к идеям и художественным приемам кубофутуризма. Она создавала иллюстрации к сочинениям таких представителей футуристического направления в литературе, как В. В. Хлебников и А. Е. Крученых.

О. В. Розанова. «Натюрморт», 1910, Государственный художественный музей им. А. Н. Радищева, Саратов

В 1916 году художница стала членом московского объединения «Супремус», основателем которого был К. С. Малевич. Хотя Розанова поддерживала принципы супрематического искусства, ее картины сильно отличались от произведений Малевича.

Полотнам художницы свойственна декоративность, и хотя они кажутся необычными, в них нет того мистического чувства, которым проникнуты композиции Малевича.

В 1917–1918 годах Розанова выполнила целый ряд абстрактных цветовых композиций, названных «цветописью» («Композиция», «Цветовая композиция», «Зеленая комната», все — в 1917).

Ранняя смерть оборвала начинания художницы в сфере создания новой живописи. Розанова не имела учеников и последователей.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин

(1878–1939)

Первый, хотя и несколько скандальный успех Петрову-Водкину принесло полотно «Сон» (1910, Русский музей, Санкт-Петербург), исполненное в духе символистской живописи французского мастера П. Пюви де Шаванна. С резкой критикой этого произведения, выступил И. Е. Репин. Полемика вокруг картины сослужила молодому художнику добрую службу: на Петрова-Водкина обратили внимание критики и публика, и вскоре он стал принимать активное участие в самых разнообразных выставках.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился в волжском городке Хвалынске. Его отец был портовым грузчиком, а мать прислуживала в богатом доме.

Первые уроки живописи будущий художник получил у иконописцев. Рисование, равно как и литература, были его любимыми школьными предметами, и спустя годы он долго не мог отдать предпочтение одному из них. Первые литературные опыты Петрова-Водкина не увенчались успехом, и потому он в конце концов выбрал изобразительное искусство. Отправившись в Самару, юноша стал заниматься в Классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова. В 1895–1897 годах он обучался в Центральном училище технического рисования барона Штиглица в Петербурге. Но более всего его привлекала живопись, и, оставив Петербург, Петров-Водкин переехал в Москву и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, в мастерскую В. А. Серова.

Художник мечтал побывать за границей, но денег на поездку у него не было. В 1901 году на велосипеде немецкой фирмы он отправился в Германию, рекламируя надежность средства передвижения этой фирмы. Останавливаясь в пути, художник делал в путевом альбоме зарисовки. Свое путешествие он описал в книге «Пространство Эвклида».

Прибыв в Мюнхен, Петров-Водкин записался в рисовальную школу А. Ашбе, где учились многие художники из России. В Германии живописец впервые близко познакомился с произведениями известных немецких и французских мастеров. Вернувшись в Москву, Петров-Водкин продолжил обучение в Училище живописи, ваяния и зодчества.

К. С. Петров-Водкин. «Яблоки на красном фоне», 1917, Русский музей, Санкт-Петербург

Творческая манера Петрова-Водкина формировалась в переломное для европейского и русского искусства время. В этот период появилось множество новых течений, представители некоторых из них обращались к символике и стилизации прошлого. Подобные веяния не обошли стороной и Петрова-Водкина. Значительное влияние на него оказали представители «Мира искусства» (членом этого объединения художник являлся в 1911–1924 годах) и европейские символисты, особенно П. Пюви де Шаванн, Ф. фон Штук и А. Бёклин.